Évènements

Cirque.

Durée : 1h20.

Cirque Le Roux.

Une expérience visuelle hypnotique, entre théâtre, acrobaties et poésie des corps. Une fresque sensible et vertigineuse. Depuis 2013, Cirque Le Roux développe un langage scénique singulier mêlant acrobaties, théâtre, danse, cinéma et arts visuels. Trois créations plus tard, la compagnie enregistre déjà plus de 1 000 représentations à travers le monde. Identité, mémoire, solitude, lien à l’autre… des thématiques intimes et universelles abordées avec humour, tendresse et absurdité.

Pour “Nature Morte”, leur dernière création, Cirque Le Roux explore un monde en perte de repères émotionnels, où la forme a pris le pas sur la sincérité. La scénographie, évocatrice d’un monde figé dans une certaine grandeur passée, devient un personnage à part entière : elle enferme, impose, mais révèle aussi des interstices de liberté.

Danse.
Durée : 1 h.

Marina Gomes — Hylel .

La chorégraphe Marina Gomes, fervente défenseuse des parcours invisibilisés, s’attache à mettre en lumière leurs récits. Inspirée par l’histoire des mouvements révolutionnaires féminins à travers le monde, elle a imaginé ce corps de ballet hip-hop, incarnation de ces luttes et de ces résistances.

Dans un univers hip-hop encore largement masculin, Marina Gomes a choisi d’en bousculer les codes. Sa nouvelle création réunit douze danseuses profondément ancrées dans la street-culture. Sur scène, la pièce s’ouvre sur un solo d’une très grande intensité avant de laisser place au collectif. À travers des figures libres et vibrantes, les interprètes explorent la puissance du féminin. Sur une partition mêlant guitare classique, mélodies, chants révolutionnaires et musiques contemporaines, elles rendent tangibles les tensions planétaires auxquelles les femmes prennent part, entre humilité et fierté, entre vulnérabilité et force.

Théâtre.
Durée : 1h45.

De William Shakespeare - Mise en scène Yoann Pencolé .

Pour la compagnie La Poupée qui brûle, la célèbre pièce de Shakespeare est un ballet de pouvoir, de sang et de silence joué par 6 interprètes et 23 marionnettes à taille humaine, figures emblématiques du royaume d’Angleterre en perdition. Un chœur de corps et de voix qui prend vie sur un damier instable, à la fois jeu d’échec, théâtre d’ombres et champ de bataille. À l’image du pouvoir… La réussite est bluffante et totale, l’ovation est méritée…

Quand les trois coups résonnent et que le rideau se lève, les acteurs-manipulateurs entrent dans la danse, tantôt soldats et messagers, tantôt gardes du corps et serviteurs. Toute la cour d’Angleterre est là, plus vraie que nature ! Trois danseurs, deux porteurs de voix et un comédien unissent leurs talents pour illuminer le plateau, intensifier s’il est possible la puissance des vers shakespeariens et la folie de Richard III.

Les corps-pantins s’agitent, combattent, déclament, se lamentent, dans « des tableaux vivants aussi beaux que complexes ». Le metteur en scène Yoann Pencolé impose sa propre dramaturgie dès la scène martiale inaugurale - tout en respectant mot pour mot la traduction de Jean-Michel Desprat - recentrant son récit sur la trajectoire du tyran : « un génie monstrueux, grotesque et fascinant ». Un spectacle total et hybride ponctué de trouvailles visuelles symboliques ou burlesques qui, jamais, ne diluent l’épaisseur dramatique de la pièce.

Musique lyrique.
Durée : 1h10.

Orchestre de l’Opéra de Toulon.

Direction musicale Raphaël Merlin

Mise en scène Charles Berling

Chorégraphie Emma Gustafsson

Scénographe et assistante à la mise en scène Zoé Zamour

Costumes Clémence Kazémi

 C’était en 1918. Personne ne savait quand la guerre finirait. Il fallait se passer d’une grande salle, d’un vaste public. Alors, pourquoi ne pas faire simple ? Peu d’instruments et aux antipodes sonores : violon et contrebasse, clarinette et basson, cornet à pistons (trompette) et trombone, batterie. Deux ou trois personnages : le soldat, le diable, la princesse (muette, c’est une ballerine), plus un lecteur (narrateur). Théâtre ambulant et même de plein air pour une version naïvement profonde du mythe de Faust. Il ne faut jamais vendre son âme au diable, même sous la forme d’un petit violon !

Conte musical d’Igor Stravinsky (1882-1971).

Livret de Charles Ferdinand Ramuz (1878-1947).

Création : Théâtre de Lausanne, 28 septembre 1918.

La narratrice Bérengère Warluzel.

Le soldat Zakary Bairi.

La princesse Emma Gustafsson.

Le diable Charles Berling.

Danse.
Durée : 50 minutes.

Simonne Rizzo.

En mêlant le stepping – percussions corporelles hip-hop – à la danse contemporaine et au rap, Simonne Rizzo réussit un tour de force. L’artiste donne naissance à un langage scénique inédit, une chorégraphie qui nous saisit dès le premier instant. Rythmique et percutante, sa création nous entraîne dans un autre univers, aux confins d’un monde tribal et festif.

Le stepping, discipline issue des traditions afro-américaines, transforme le corps en instrument de percussion. Avec Isicathulo, Simonne Rizzo s’empare de cette pratique et la fait dialoguer avec la danse contemporaine et le rap.

Sur scène, quatre interprètes et un MC composent une partition physique et sonore d’une grande intensité. Les corps frappent, vibrent, s’accordent et se confrontent, dans une énergie collective à la fois brute et précise.

Entre puissance et fragilité, la pièce explore les tensions du masculin et fait émerger une écriture chorégraphique singulière, où le rythme devient langage et le mouvement, prise de parole.